Rick's deep dive into his college days, taking an "insane amount of classes," and his current efforts learning Cubase or researching Mozart, resonates. In my experience running MaxHertz, that drive to constantly learn and experiment is non-negotiable. The landscape of audio production shifts constantly – new plugins, new techniques, new challenges. If you're not learning, you're standing still. I'm always trying new things, even if it's just a different way to use a familiar tool.
Max's Mix Tip: Reverse Compression
For instance, Rick mentioned learning new DAWs. While I stick with Pro Tools for my core mixing work, I'm always exploring how other platforms handle specific tasks. One thing I've found incredibly useful, especially with modern, often over-processed source material, is a technique I call "Reverse Compression." Instead of just using a compressor to reduce dynamic range, I'll sometimes use a very fast attack (0.1ms-1ms) and a medium-fast release (50-100ms) with a high ratio (8:1 or more) on a parallel bus for something like a snare drum. But here's the trick: I'll then use an expander after that parallel compressor, set to a subtle ratio (1.1:1 - 1.5:1) and a threshold just below the loudest peaks. This effectively "un-squashes" the transients slightly while retaining the density from the parallel compression, giving you punch and weight without the typical compressed sound. It’s a subtle move, but it really helps drums cut through a dense mix without sounding fatiguing.
Rick's point about archiving on physical media and the difference between WAVs and MP3s is critical. He talks about "dispensing with 90% of the information" in an MP3. Amen to that. For my masters, I always deliver high-resolution WAVs, and I keep my archival copies as uncompressed files. The idea that "you don't really own anything" if it's streaming is a powerful one. I preach redundant backups to every artist I work with: local drives, off-site drives, and cloud. You never know when you'll need that original high-res file again.
Then there's the claim about old Pro Tools sessions "sounding different" – even "better" – on original hardware versus new versions. He loaded a data disk from 2000 and compared it. My first reaction is skepticism; DAWs are designed for fidelity, and software updates should maintain or improve that. However, I can't dismiss the feeling of it. There's a certain magic to older gear, whether it's an analog console or a specific vintage plugin. Sometimes, what we perceive as "better" might be subtle differences in floating-point calculations, or perhaps even the psychological effect of interacting with the "original" system. I haven't done such a direct A/B myself with old Pro Tools versions, but I have absolutely chased down similar subjective differences when comparing different plugin emulations of the same hardware. It's that obsession, that "wanting to know," that keeps us pushing boundaries.
Rick's video is a reminder that the heart of what we do, whether it's making music, teaching, or mixing, is curiosity and dedication. It's about getting in there and learning, not just asking. That's why I can't quit either. There's always another sound to chase, another technique to master, another way to make a piece of music shine.
Вечное обучение — двигатель прогресса
Эта неуемная жажда знаний, любопытство — это то, что держит меня в тонусе. Я сам постоянно учусь. Сейчас, например, углубляюсь в тонкости работы с иммерсивными форматами, хотя пока большинство моих клиентов работают со стерео. Но быть готовым к будущему, понимать, как работают эти системы, как они звучат, почему их используют те же кинокомпозиторы, о которых Рик упоминает в контексте Cubase, — это критично. Не просто спрашивать других, а самому погружаться и разбираться. На моём опыте, только так можно оставаться на пике, а не просто повторять заученные схемы.
Рик также поднял важную тему владения физическими носителями и архивирования. Он говорит, что хранит все свои компакт-диски и переводит их в WAV, потому что стриминг — это по сути аренда. И тут я с ним согласен в плане владения контентом. Для личной коллекции это имеет смысл. Но когда дело доходит до архивирования сессий, мой подход немного другой. Я, конечно, держу локальные бэкапы на нескольких дисках, но также активно использую облачные хранилища. Это даёт мне гибкость и дополнительный уровень безопасности от физических повреждений или устаревания носителей, о которых Рик говорил, когда показывал свои диски Blu-ray. Да, CD-ROM 2000 года, который он открыл, это впечатляет, но я не готов рисковать проектами клиентов, полагаясь только на оптику или старые жесткие диски, пусть даже и рабочие.
И вот тут мы подходим к самому интересному: Рик утверждает, что старые сессии Pro Tools, открытые на оригинальном оборудовании (Pro Tools Mix Plus на Mac G4), звучат лучше, чем те же файлы, скопированные на новые системы и открытые в современных версиях Pro Tools. Он говорит, что файлы меняются. Это звучит как священный грааль для многих инженеров, и я понимаю его желание проверить это.
На моём опыте, сами аудиофайлы (WAV, AIFF) не меняются при открытии в новой версии DAW, если не происходит преобразования формата, частоты дискретизации или битовой глубины. То, что Рик слышит как "изменение", скорее всего, связано с различиями в тракте воспроизведения: старые ЦАПы, аналоговые схемы, тактовый генератор, возможно, даже влияние старых плагинов (если они использовались и были частью Mix Plus системы) или специфический DSP. Эти элементы действительно могут придавать "характер" звуку. Современные DAW и интерфейсы стремятся к максимальной прозрачности и нейтральности. Поэтому, если я хочу сохранить специфическое звучание старой обработки или оборудования, я всегда рендерил бы дорожки с этой обработкой до переноса сессии.
Мой приём: Точный гейн-стейджинг для сохранения звука
Чтобы избежать любых неожиданных "изменений" в звуке при переносе сессий между системами или даже просто между разными этапами микширования и мастеринга, я всегда придерживаюсь строгого гейн-стейджинга. Мой личный совет, который вы можете применить сегодня: всегда используйте плагин Trim (или любой другой утилитарный плагин для регулировки уровня) сразу после каждого инструментального трека и перед каждым плагином, который чувствителен к входному уровню. Цель — убедиться, что пики сигнала на каждом этапе не превышают -6 дБFS, а RMS держится в районе -18 дБFS. Это даёт плагинам оптимальный рабочий диапазон (особенно аналоговым эмуляциям) и гарантирует, что при экспорте или переносе на другую систему вы не столкнетесь с цифровым клиппингом или нежелательной компрессией из-за слишком горячего сигнала. Это скучно, но спасает от головной боли и сохраняет характер звука, который вы изначально задумали.
В конечном итоге, видео Рика — это отличное напоминание о том, что любопытство и постоянное обучение — это не просто хобби, а неотъемлемая часть нашей профессии. В мире звука всегда есть что-то новое для изучения, и это то, что заставляет меня приходить в студию каждый день.
Making a record? Готовишь релиз?
I mix and produce records for bands and artists where live instruments meet electronics. Tell me about your release on a free 15-minute call — I'll have listened to your music before we talk. Свожу и продюсирую записи для групп и артистов, где живые инструменты встречаются с электроникой. Расскажи о своём релизе на бесплатном 15-минутном звонке — я заранее послушаю твою музыку.
Learning to mix yourself? Free guide & course → Учишься сводить сам? Бесплатный гайд и курс →